Cote et valeur des tableaux, dessins, peintures de Alexej von Jawlensky

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Cote et valeur de l’artiste

Artiste russe pionnier de l’abstraction, Alexej von Jawlensky s’impose comme un artiste majeur de son époque. Il produit des œuvres inspirées de plusieurs courants du XXème siècle et de son pays d’origine, en mêlant les supports.

Sur le marché de l’art, ses œuvres se vendent à très bon prix et gardent une cote stable.

Ainsi, une œuvre signée de la main de l’artiste peut atteindre des millions d’euros aux enchères, comme en témoigne son huile sur toile Danseuse espagnole, adjugée 7 000 000€ en 2024, témoignant de l’intérêt croissant des collectionneurs pour les œuvres de Jawlensky.

Ordre de valeur allant du plus basique au plus prestigieux

Les œuvres et le style de l’artiste

Chez Alexej von Jawlensky, la couleur s’impose comme vecteur d’expression pure, affranchie des contraintes du naturalisme. Dès ses premières œuvres influencées par l’impressionnisme et le fauvisme, il privilégie une touche large et énergique, où la matière picturale, posée en aplats vibrants, tend vers une stylisation croissante.

Son rapport à la forme, d’abord hérité de Cézanne et de Van Gogh, évolue vers une synthèse où la structure du visage, notamment dans ses têtes mystiques et têtes abstraites, se réduit à un réseau de lignes rythmées, presque calligraphiques.

L’artiste substitue à la modélisation traditionnelle un jeu d’oppositions chromatiques, où le rouge incandescent côtoie le bleu profond, où le jaune éclaire des ombres vertes, dans une construction où la couleur devient le véritable moteur de l’expression.

Dès les années 1910, Jawlensky s’éloigne du motif extérieur pour tendre vers une intériorité exacerbée : dans ses Variations, la touche se fait plus fluide, la surface du tableau se dépouille pour atteindre une abstraction où la lumière et la vibration chromatique tiennent lieu de sujet.

Il ne cherche plus à décrire mais à transcrire une réalité spirituelle, où la répétition des formes et l’intensité des couleurs instaurent un langage pictural autonome, épuré jusqu’à l’essentiel.

La vie de Alexej von Jawlensky    

Né en 1864 à Torjok dans une famille de la noblesse russe, Alexej von Jawlensky s’engage d’abord dans une carrière militaire, suivant la tradition familiale, avant qu’une visite à l’Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg ne suscite en lui une vocation irrépressible pour la peinture.

Encouragé par Ilia Répine, il se forme auprès d’Anton Ažbe à Munich, où il fréquente Kandinsky, Marianne von Werefkin et d’autres figures des avant-gardes.

Là, il découvre la puissance expressive de la couleur à travers les leçons de Cézanne, Van Gogh et surtout Matisse, dont l’influence transparaît dans ses premières compositions, où le trait se libère et la palette s’embrase.

Membre fondateur de la Neue Künstlervereinigung München, il rompt avec Kandinsky en 1911 pour exposer avec le Blaue Reiter, trouvant dans ce mouvement une résonance avec sa quête d’une peinture intérieure, affranchie du naturalisme. La guerre le contraint à l’exil en Suisse, où il amorce ses Variations, séries où le paysage se dépouille jusqu’à ne devenir qu’un agencement vibrant de couleurs et de rythmes.

De retour en Allemagne, à Wiesbaden, il entame ses Têtes mystiques et Têtes abstraites, où la figure humaine se résume à une architecture de lignes et de plans colorés, dans une recherche d’absolu pictural qui prend une dimension spirituelle.

Atteint d’arthrite à partir des années 1920, il persiste malgré la douleur, poursuivant son œuvre dans une ascèse où la réduction des formes atteint une intensité presque liturgique.

Sa peinture, plus qu’une simple évolution stylistique, devient un langage autonome, où la couleur, transcendée, s’impose comme l’expression ultime de l’âme et de la méditation intérieure.

Focus sur Tête de femme, Alexej von Jawlensky, vers 1912

Dans Tête de femme, vers 1912 (Musée national d'Art moderne, Paris), Alexej von Jawlensky substitue à la description naturaliste une construction synthétique où la couleur, pure et incandescente, devient l’élément moteur de la figuration.

Le visage, réduit à un réseau de lignes simplifiées, s’inscrit dans une frontalité rigoureuse, où le contour noir accentue la structure des plans et impose une géométrie presque hiératique.

Les ombres vertes et bleues, posées en larges aplats, s’opposent aux éclats de rouge et de jaune, conférant à l’ensemble une vibration chromatique qui évoque les recherches de Matisse et des fauves, tout en s’inscrivant dans un registre plus intériorisé.

L’application dense des couleurs pures, juxtaposées sans dégradés, intensifie l’impact visuel, tandis que le regard, vidé de tout détail anecdotique, renforce l’impression d’un masque immuable, à la lisière de l’icône byzantine et de l’abstraction.

Loin d’un portrait psychologique, Jawlensky impose ici une effigie moderne, où l’expressivité naît de la tension entre la stylisation extrême et l’intensité colorée.

Cette approche, qui annonce ses Têtes mystiques et ses Têtes abstraites, inscrit son œuvre dans une quête spirituelle, où la simplification formelle tend vers une dimension presque sacrale.

Dans cette peinture, la couleur ne décrit plus : elle incarne une essence, un rayonnement intérieur, une épiphanie visuelle où le visage humain devient le support d’une méditation sur la lumière et le divin.

L’empreinte de Alexej von Jawlensky sur sa période

Chez Alexej von Jawlensky, l’empreinte laissée sur son époque tient à cette transfiguration du visage en archétype, où la couleur ne relève plus du naturalisme mais d’une nécessité spirituelle.

Son œuvre, en marge des avant-gardes les plus radicales, s’affirme pourtant comme l’un des jalons essentiels de l’abstraction naissante, en ce qu’elle extrait du motif une vérité intérieure, détachée de toute contingence narrative.

Dès ses Têtes mystiques et ses Têtes abstraites, dans les années 1910-1920, Jawlensky déploie un langage pictural qui influence profondément les générations expressionnistes, de Kandinsky à Klee, par cette capacité à faire du portrait un espace de méditation plastique et chromatique.

Son usage de la ligne, épurée jusqu’à la schématisation la plus élémentaire, et son approche des aplats de couleur, travaillés en juxtapositions vibrantes, annoncent aussi bien les recherches de l’orphisme que celles de l’expressionnisme abstrait.

Loin d’un simple renouvellement formel, Jawlensky inscrit ainsi la peinture dans une quête intérieure où le visage humain devient, par sa répétition et sa stylisation, un signe universel, une icône profane à la lisière du sacré.

Les influences stylistiques de Alexej von Jawlensky

Chez Alexej von Jawlensky, les influences stylistiques s’entrelacent en un réseau dense où la tradition iconographique russe rencontre les avant-gardes européennes.

Formé à l’Académie des beaux-arts de Saint-Pétersbourg, il assimile les codes de la peinture académique avant de s’ouvrir, au contact de Marianne von Werefkin, aux audaces des postimpressionnistes français.

Son installation à Munich en 1896 marque un tournant : la découverte de Van Gogh, Cézanne et Gauguin infléchit son approche de la couleur et de la forme, tandis que l’amitié avec Kandinsky et l’adhésion au Blaue Reiter en 1911 l’orientent vers une expressivité plus intense, où la figuration se charge d’une dimension quasi mystique.

À cette hybridation s’ajoute l’influence décisive des arts populaires et des icônes orthodoxes, dont Jawlensky retient la frontalité hiératique, la simplification extrême des volumes et la puissance du regard.

Dans ses séries de Têtes mystiques et de Têtes abstraites, cette empreinte byzantine se fond dans une écriture picturale où la ligne cloisonne les plans colorés à la manière des nabis, tandis que la touche, posée en aplats vibrants, rappelle le fauvisme de Matisse et Derain.

La déconstruction progressive du modèle, réduisant le visage à une structure essentielle de formes et de couleurs, évoque en filigrane les recherches de Cézanne, mais aussi le travail des expressionnistes allemands, chez qui Jawlensky trouve une même quête d’intériorité.

Sa palette, d’abord marquée par des contrastes violents, s’oriente peu à peu vers des harmonies plus méditatives, où les tonalités profondes et les oppositions complémentaires créent une résonance spirituelle.

Loin d’un simple emprunt aux courants de son temps, cette synthèse lui permet d’inscrire la peinture dans une dimension intemporelle, entre tradition iconique et abstraction visionnaire.

Sa signature

Les œuvres de Alexej von Jawlensky ne sont pas toutes signées.

Même s’il y existe des variantes, voici un premier exemple de sa signature :

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