Cote et valeur des oeuvres, dessins, peintures de Victor Vasarely

Héritier du Bauhaus, partisan d’un art total, Victor Vasarely (1906-1997) est le plus célèbre représentant de l’Op art. Très populaire à Paris dans les années 1980, ses affiches artistiques représentent son style psychédélique, illusionniste et abstrait, et sont visibles partout dans la ville.

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Cote de l’artiste Victor Vasarely

Victor Vasarely connait un grand succès de son vivant grâce à sa participation à certaines manifestations majeures de son temps. Il s’impose alors rapidement comme une valeur sûre du marché de l’art.

Aujourd’hui, ses œuvres ont du succès en salle des ventes et attirent grand nombre de collectionneurs. Ses pièces s’échangent principalement en France et aux États-Unis.

Le prix auquel ses œuvres se vendent sur le marché des enchères s’échelonne entre 5 et 535 240€, un delta conséquent mais qui en dit long sur la valeur qui peut être attribuée aux œuvres de l’artiste.

En témoigne son huile sur toile Atlaï III, datant de 1955, adjugé 535 240 € en 2010, tandis qu’elle était estimée entre 113 880 et 170 820€. 

Ordre de valeur allant du plus basique au plus prestigieux

Style et technique de Victor Vasarely

Dans la peinture de Victor Vasarely, la géométrie conserve cette propriété de structurer l’espace, de distribuer les formes selon une logique rigoureuse.

Mais c’est au prix d’un déplacement : elle ne se contente plus d’organiser le champ pictural, elle en devient le moteur instable, le lieu d’une perception en constante reconfiguration.

La figure disparaît, mais restent les structures optiques qui lui étaient attachées, c’est-à-dire les trames, les réseaux, les contrastes.

Dans Vega-Nor (fig. 1), la grille ne repose plus sur un système fixe : elle se bombe, se dilate, se contracte, comme soumise à une force interne. La surface, pourtant plane, semble aspirée dans une profondeur mouvante.

La couleur, réduite à un jeu de valeurs franches, ne modèle plus les volumes mais en inverse la lecture, selon une logique optique qui renverse les hiérarchies de la forme.

Le motif n’est plus un élément décoratif : il devient un champ dynamique, une onde qui traverse la composition.

Alors, dépossédée de sa fonction classique d’harmonisation, la géométrie se consacre désormais à produire des tensions visuelles, à générer un espace instable, autonome, qui échappe au regard même qu’il sollicite.

La vie de Victor Vasarely

Victor Vasarely naît en 1906 en Hongrie. Après des études de médecine, Vasarely se lance dans l’art en 1925. Attiré par le mouvement Bauhaus, il intègre quelques années plus tard le Muhëly à Budapest, école basée sur le modèle du Bauhaus. Le jeune artiste va bénéficier des enseignements des célèbres Walter Gropius, Wassily Kandinsky et Paul Klee.

Au même moment, Victor Vasarely découvre l’art abstrait et le constructivisme. Ces mouvements auront un impact significatif sur l'ensemble de sa carrière.

En 1930, Victor Vasarely déménage à Paris où il exerce en tant que graphiste et dessinateur dans diverses agences publicitaires.

De 1930 à 1947, Vasarely mène des expériences graphiques axées sur la lumière, la perspective et les lignes. À partir de 1935, ses tableaux révèlent des influences cubistes et surréalistes. Son art devient progressivement abstrait. Ses recherches artistiques se concentrent sur les formes et les couleurs pures.

Dans les années 50, Victor Vasarely crée des compositions contrastées en juxtaposant des couleurs et des formes géométriques. À partir de 1958, il se tourne vers le cinétisme puis vers le pop-art. Ses toiles deviennent de plus en plus vives.

La période Vega, explorée dès 1968, est la plus célèbre de Victor Vasarely.  Ses œuvres se caractérisent par des formes géométriques en volumes déformées, inspirées par les planètes et les cellules.

Focus sur Vega 200, Victor Vasarely

Dans Vega 200 (fig. 1), une acrylique sur toile de Victor Vasarely, la grille orthogonale conserve cette capacité à organiser l’espace, à répartir les unités selon un ordre préétabli. Mais c’est au prix d’un certain glissement : la régularité du module devient le support d’une distorsion, la matrice d’un mouvement qui altère la stabilité du champ visuel.

Le cercle, au centre, n’est pas dessiné : il émerge de la dilatation progressive des carrés, comme une poussée interne qui infléchit la trame. L’illusion de volume n’est plus obtenue par le modelé, mais par la déformation du système lui-même, par l’écart répété entre la forme et son cadre.

La couleur, traitée en dégradés nets, n’indique pas la lumière, mais accentue la courbure fictive de la surface. L’espace ainsi produit ne se donne jamais d’un seul coup : il pulse, se contracte et se relâche au rythme des tensions optiques.

Alors, affranchie de toute fonction mimétique, l’image ne montre plus une forme, elle la génère, elle la fait advenir à travers les variations d’un système clos, où chaque élément, aussi infime soit-il, participe à l’instabilité générale de la perception.

Les caractéristiques de l’Op Art

 Dans l’Op Art, la perception conserve cette capacité à organiser l’image, à stabiliser les formes dans un champ visuel cohérent. Il a aussi été développé par des artistes comme André Cadere ou Alexandra Exter.

C’est cependant au prix d’un certain changement : elle ne s’appuie plus sur la représentation d’un objet, mais sur l’activation d’un système, sur la mise en mouvement d’un réseau de lignes, de contrastes ou de modules.

La figure disparaît, mais restent les effets optiques qui lui étaient traditionnellement associés : scintillements, vibrations, pulsations, illusions de profondeur.

Dans les œuvres de Bridget Riley ou de Victor Vasarely, la surface picturale cesse d’être un espace de projection, elle devient un plan actif, une structure dynamique qui produit ses propres variations.

La ligne ne délimite plus, elle ondule ; le motif n’encadre plus la forme, il la contredit, la submerge, la fait basculer. Ce que l’œil croyait fixe devient mouvant, ce qui semblait stable se dérobe.

L’illusion, loin d’être un artifice, devient le cœur même du dispositif, la condition de l’expérience visuelle.

Cette subversion des repères perceptifs s’accentue avec l’usage systématique de la géométrie, des contrastes de valeur, des jeux d’échelle.

La couleur, souvent réduite à des combinaisons binaires ou à des dégradés rigoureux, ne sert plus à modeler la forme, mais à en perturber la lecture. Le noir et blanc, les complémentaires, les passages progressifs sont autant d’outils pour générer des conflits optiques, des phénomènes d’instabilité, de flottement.

Alors, dépouillée de sa fonction descriptive, la peinture devient un champ d’opérations, un espace sans profondeur réelle, mais saturé d’effets. Le regard n’y trouve pas de point de repos : il est pris dans une boucle, sollicité, malmené, projeté d’un point à l’autre.

L’Op Art ne cherche pas à représenter le réel, mais à faire de la vision elle-même un objet d’expérimentation. À travers cette logique interne, il reconduit l’image à ses éléments premiers – ligne, contraste, surface – pour mieux les détourner, les faire proliférer dans un espace où l’œil, en tentant de voir, révèle ses propres limites.

L’empreinte de Victor Vasarely sur son époque

De son vivant, Victor Vasarely connaît une grande notoriété. En plus de ses expérimentations artistiques, il réalise des œuvres sur commande, tant publiques que privées, qui sont intégrées dans l'espace public parisien.

Laissant derrière lui une grande production artistique, Vasarely est très présent sur le marché de l’art.

Ses œuvres de ses périodes “Zèbre” et “Vega” sont très recherchées par les collectionneurs et peuvent atteindre des centaines de milliers d’euros aux enchères.

En plus de ses œuvres picturales, Vasarely à produit quelques volumes, meubles, tapisseries et céramique. Moins courant sur le marché de l’art, ces œuvres sont adjugées de milliers d’euros à l'exception de ses tapisseries qui peuvent atteindre des dizaines de milliers d’euros.

Sa signature

Les œuvres de Victor Vasarely ne sont pas toutes signées.

Même s’il y existe des variantes, voici un premier exemple de sa signature :

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